www.hannesbrunner.com

Born 1956 in Lucerne, Switzerland, lives in Zurich/CH and Berlin. Brunner’s art installations favour ephemeral materials, and his contextual art projects combine different medias including social process from digital communication into real physical spaces. Brunner lectures at several Art Schools in Switzerland and Germany. He is currently Professor of Sculpture at Weissensee Academy of Art Berlin.

Previously Brunner was Chairman of the Fine Arts Motion Graphic program at NYIT, New York, Institute of Technology, in Abu Dhabi, UAE and Professor of the Art Project department at Muthesius Academy of Architecture, Fine Art and Design in Kiel, Germany. He was also the initiator of the Virtual Campus www.artknowledge.net. Brunner has a degree in Architecture from ETH Zürich and an MFA in Photography from the Art Academy in Kassel, Germany.

www.meandmyhands.com

Forster’s work includes objects, installations, paintings and video. 
The topics of the work revolve around the complex themes of appreciation and mindfulness: those between human as well as between human and nature.

 By changing the points of view, the works tend to surprise the viewer with unique, inspiring, sometimes provocative perspectives.

 Forster’s work method is influenced by the love for solid artisanal techniques in combination with unusual but mundane materials. The materials are extracted out of their usual context and are placed in surprising new constellations.

Recently Forster’s focus lies in using colourful found materials to create something new by following own rules of aesthetic and a profound way to conquer space.

 Besides those rather objective guidelines Forster includes her impressions of current societal and political questions within her work.


Katharina Forster studied at the Ruth Prowse School of Art in Cape Town, South Africa, where she lived and worked for several years. It is here where she initiated, coordinated and curated some unconventional exhibitions with other artists outside the usual white cube. She relocated back to Berlin where she works in her studio in Werder (Havel).

www.annehoelzinger.de

BÜHNENBILD | KOSTÜMBILD | ARCHITEKTUR
1993-2001 - Studium der Architektur an der Hochschule der Künste Berlin.
2001 - Diplom parallel zum Studium verschiedene Hospitanzen am Theater u.a. bei Robert Wilson "Time Rocker”.
2003 - Bühnen- und Kostümbildassistentin am Thalia Theater Hamburg bei Julia Scholz und Barbara Drohsin.
2004-2007 feste Bühnen- und Kostümbildassistentin am Deutschen Theater Berlin u.a. für Olaf Altmann, Johannes Schütz und Johannes Leiacker.
Erste eigene Bühnen- und Kostümbildarbeiten, unter anderem mit den Regisseuren Christoph Mehler, Bettina Bruinier und Jo-Anna Hamann.
Konzeption der dritten Spielstätte »Box und Bar« und Realisierung verschiedene Möbelentwürfe für das Deutsche Theater. Für „Über Tiere“ Bühnenbildmitarbeit mit Nicolas Stemann.
Seit 2007 freischaffende Bühnen- und Kostümbildnerin an verschiedenen Theatern u.a. am Schauspiel Frankfurt, am Deutschen Theater Berlin, am Centraltheater Leipzig, am Staatstheater Nürnberg und am Staatstheater Mainz mit den Regisseuren Michael Schweighöfer, Olaf Altmann und vor allem Christoph Mehler.
An der Komischen Oper Berlin Zusammenarbeit mit Henrik Ahr für das Bühnenbild der Kinderoper „Die Schneekönigin“ in der Regie von Anisha Bondy.
Seit 2013 vermehrt tätig als Architektin für Kommunikation im Raum und Corporate Design. Regelmäßige Zusammenarbeit mit Peppermint Werbung Berlin.

www.nicoleheinzel.com

Nicole Heinzel was born to German parents who had emigrated to Bengasi, Libya in 1969 at the start of the Revolution. After living in Iran and in Trinidad and Tobago, the family moved to Scotland in 1978, where the artist spent two decades of her life. Heinzel studied art, graphic design and photography at Duncan of Jordanstone College of Art and Design / Dundee University. After seven years in London, and fifteen years in Atelierhaus Mengerzeile Berlin the artist moved to the Vulkanfiberfabrik in Werder (Havel) in 2018.

Nicole Heinzel wurde 1969 als Deutsche während der Revolution in Bengasi, Libyen geboren. Nach Aufenthalten im Iran und Trinidad und Tobago siedelte die Familie nach Schottland über, wo Sie zwei Jahrzehnte ihres Lebens verbrachte. Heinzel studierte Kunst, Design und Fotografie am Duncan of Jordanstone College of Art and Design in Dundee. Nach sieben Jahre in London und fünfzehn Jahre im Atelierhaus Mengerzeile Berlin zog die Künstlerin 2018 in die Vulkanfiberfabrik in Werder (Havel).

www.sebastianklug.com

Sebastian Klug is a visual artist and photographer based in Berlin. He started using photography whilst studying architecture and since 2008 has exhibited widely. His work has been shown as a Highlight at the European Month of Photography Festival in Berlin during 2010 and across venues in various cities including Venice, Munich, Amsterdam, London, Helsinki, Istanbul, Copenhagen, Turin, Chicago, Triest and Detroit.Using a Nokia 6300 mobile phone at low light levels, Klug creates an atmospheric visual diary that mixes the grain, noise and strange colours of his phone's pictures, with that of his nocturnal encounters. The people he photographs float like ghosts, leaving small traces of their existence as they journey through the night. (Adam Geary in Berlinoir photobook).

"Since 2012 I have worked with photographs to create three dimensional objects by cutting multiple prints into stripes and interweaving them. In some cases I combine a print with other materials such as fabrics or foils. As a result the original image is alienated, distorted, dissolved and pixelized.

The surface now begins to play an important role. The photograph is the starting point for a process that, although being linked to it, emancipates itself from the mere purpose of reproducing an image. The pushing, pulling and weaving of the strips form a relief-like structure. The rippled surface plays with perception. Depending on the viewers angle and distance as well as the position of the light source, the light is allowed to reflect in different ways, offering changing insights into its layered design. The structure forms a unity with the new picture, one would not exist without the other.” Sebastian Klug

www.juliabroemsel.de

Julia Brömsel wurde 1980 in Schlema geboren. Als Tochter von Künstlereltern lernte Sie schon früh und ganz natürlich mit verschiedenen Materialien spielerisch umzugehen. So begleitete die Malerei Brömsel schon von den jüngsten Jahren an. Die ersten Ausstellungen hatte Sie mit 17 Jahren. Nach erfolgreichen Abschluss Ihrer Schauspielstudiums tourte Sie mit der Wandertheatergruppe Ton und Kirschen durch die Welt. 2008 machte Brömsel sich selbständig mit Ihrer Malerei und gründete 2010 die Ateliergemeinschaft SCHOLLE 51. Julia Brömsel malt hauptsächlich auf alten gefundenen Untergründen. Landkarten, Stadtplänen aber auch alte Stickmuster-bögen oder Fotos. Brömsel lässt sich von den vorhandenen Strukturen inspirieren und verbindet so Untergrund und Figuren auf humorvolle Weise.

www.dorissprengel.de

About sense of possibility
"If you want to get through open doors well, you have to respect the fact that they have a fixed frame: This principle is a requirement of the sense of reality. But if there is a sense of reality, and no one will doubt that it has its raison d'être, then there must also be something that can be called a sense of possibility". Thus begins the fourth chapter in Robert Musil's novel "The Man Without Qualities."

Doris Sprengel is an adventurer on the trail of a deeper understanding of life on earth. She researches, collects, documents and quotes, investigates what she finds and invents new things. The botanical kingdom is the model for her inventions, from which structures and growth principles can be worked out and derived. With the help of mathematical analysis Doris Sprengel transfers the constructions observed in botany to her drawings. (Christiane ten Hoevel, artist)

Doris Sprengel studied German and Romance languages and literature in Heidelberg and Oaxaca, Mexico and fine arts in Berlin. She holds a Magister Artium degree and a postgraduate scholarship in art.

www.pluma-cubic.com

Heike Buchfelder founded the label pluma cubic in 2005. She studied architecture at the University of the Arts Berlin and at the Oslo School of Architecture. Today her design collection is distributed internationally.

n-solab.de

www.designandrobotics.com

Instagram

Design | Robotics | Parametrics

Instagram

Malerei, Zeichnung, Monotyp

www.giulianapugliese.com

Artists Statement

“About Me”

When I was 14 years old, I left my parent's house to become an artist. Moving to Matera to visit the Liceo Artistico I was thrown from my childhood into a situation of loneliness. I spent every evening out in the streets, watching people, feeling the whole city was like a big canvas to explore, a blank spot that my imagination could turn into any country or landscape that I liked.

To capture situations and people that were important in my life I started to paint portraits, often using photographs to create my artwork on canvas, walls or sandcoated canvas. To this day I use figurative art to reproduce experiences that are connected to special moments or people I met.

! The freedom I felt in Matera for the first time is a key aspect in my work to this day. It is founded in my conviction that home is not a specific country to me but an island within my soul.

I also felt that freedom when I moved to Berlin in 2009 and started to focus on abstract painting. After first experiments in Italy I intensively studied this technique using only spatulas or my fingers.

In abstract painting I enjoy letting my emotions take over and experimenting with color without having to show anything concrete.

This becomes particularly clear in my painting "Gegenstunde". A poetry collection with the same title written by Austrian poet Karl Lubomirski gave me the idea of a moment that stands "against time" – outside the three dimensions defining the world we are living in.

Recently I started to use abstraction also in portrait painting, for example in "I Musicisti di Neukölln" which is part of an unfinished set showing musicians during their performances in Neukölln where I felt emotions connected with a concrete moment.

As an artist freedom to me also means to be free in the subjects I choose and statements I voice through my work. I reflect political turmoil and global crises like the Arab Spring or the migrant situation by using collage techniques. The direct and striking effect of news pictures and advertising resonates a contrast: For tourists in Italy the sea and beaches are beautiful backdrops for leisure, but for refugees they mean the difference between survival and dying. The way how our society is handling this situation represents to me pure disinterest in the face of a humanitarian catastrophe. The region I come from has been shaped by exchange with other Mediterranean cultures, such as Greece or North Africa over centuries. Today immigration across the sea is seen by many as a threat only and no longer as an enrichment of one's own culture.

BIOGRAPHY

Giuliana Pugliese was born in 1980 in Basilicata, a small region in southern Italy.

From 1994 to 1999, she studied art at the Liceo Artistico Statale in Matera (Italy).

In 2000, Giuliana moved to Turin and graduated in painting at the Albertina Academy of Fine Arts in 2005. During her academic period she devoted herself to the study of Surrealism and Psychoanalysis, creating paintings and travel journals based on dreams and experimenting with Automatic Drawing and Writing.

Giuliana Pugliese returned to her hometown in 2006, devoting herself to the research and study of post-unification Brigandage of Southern Italy, focussing on the role of women in brigandage.! In the spirit of these studies, she created many public Murales, one of which was awarded at an art competition in San Giorgio Lucano (Basilicata, Italy).

After moving to Padua in 2007, Giuliana began collaborating with a group of artist by the name Independent Artists, with whom she took part in several exhibitions supported by the Ministry of Cultural Heritage, Municipality of Padua and the Foundation Paolo Capovilla.

During her time in Padua, Giuliana also became interested in abstraction and a different use of colors after seeing the works of Emilio Vedova and started working with several abstract artists.

While still doing portraits, she was already developing a different technique using color as a material.

In 2010, Giuliana moved to Berlin, where she currently lives and works. The Berlin experience is decisive for her work, as she started experimenting with colours, breaking away from the figurative and moving on to the abstract using the spatula technique.

An important factor for the change in Giulianas style was getting to know the writings on the fourth dimension and the works of Gerhard Richter.

Parallel to abstract painting, Giuliana also began to work with collages and videos on the subject of migration and immigrants.

www.saskia-glueckauf.de

www.tdrgo.co/

Tropical Diaspora® reflects the musical narrative created by forced African migration, its collective memory and their powerful musical Stories, since 1995 in Berlin.

We are an independent record label, and event, Tropical Diaspora®️ Records has as its main focus the production of vinyl records of the Afro Diaspora and Native cultures.

The logo of the company perfectly expresses this goal. It represents a woman in the shape of the Atlantic Ocean whose hair symbolizes the sea currents that brought African populations from Africa into the Americas and still guide today thousands of immigrants ashore. These stories of diasporas forced by enslavement or for economic reasons, fleeing wars and poverty, are the stories that we at Tropical Diaspora®️ Records are interested in.

Dr. Iris Ulbricht is an aerospace engineer and artist living and working in Rangsdorf and Werder (Havel). Born and raised in West-Berlin during the cold war she graduated in Mechanical Engineering and Applied Mechanics and wrote her PhD in Aerospace Engineering. She worked in Brussels, Switzerland and Germany in Research and Development in various management positions in the international turbomachinery industry. Since approximately 2014 her focus changed considerably towards realistic painting. She studied the literature, attended training courses in different art schools and worked closely with selected teachers following a self-determined curriculum. Since 2019 she has been exhibiting and teaching. Her work is diverse, however all her paintings and drawings touch base with the four recurring themes, riddle, dream, illusion and space.

www.andrea-werner.de

Andrea Werner arbeitet zwischen den Genres Zeichnung, Malerei und Fotografie, welche sie ästhetisch-konzeptionell miteinander verbindet. In langsamen Prozessen erarbeitet sie sich Stück für Stück ihre Bilder. Hierbei legt sie sich auf kein Sujet fest und widmet sich mit großer Aufmerksamkeit den Geschichten, die uns umgeben. Sensibel finden diese Narrative eine Form in intensiven Zeichnungen und Malereien.

www.galeriemoench.de

Bevor die Skulpturen von Ruth Gindhart einen Kontext annehmen können, bilden sie sich wie ein Satz aus Subjekt und Objekt, welche durch ein Verbum verbunden sind. Das stets unsichtbare, nur strukturell fungierende skulpturale Verbum steht anders als in gesprochenen Sprachen immer zugleich in beiden Modi, dem des Aktivs und des Passivs.

Es ist das gleichzeitige Halten und Gehaltenwerden, ein bedingungsloses aufeinander Angewiesen sein und doch getrennt Bleiben. Die Verbindung der Bauteile (Stahl und Holz) durch Stecken und Einschieben verleiht der Skulptur in all ihrer Fragilität zugleich Stabilität.

Erst in der Bewegung durch Veränderung des eigenen Standpunktes und Blickwinkels wird das wohl Austarierte von Be- und Entlastung, von Volumen und Raum wahrgenommen, auch das von realem und gedanklichem Zwischenraum und vor allem dem heiklen Moment, diesem einen Punkt, an dem all das ins Wanken geraten kann. Die Harmonie täuscht, denn Harmonie ist Ebenmaß, ausgeglichen und eindeutig. Ruth Gindhart hingegen zeigt wie fragil diese Sicherheit sein kann. Das Ausloten von Gewicht und Textur vollzieht sich auf einem schmalen Grat zwischen Standbein und Spielbein der Formen, aber auch der Bedeutung. Unter der Ordnung schwingt das Chaos der Realität ebenso mit wie ihre Dynamik. (Galerie Mönch)

2020 ausgezogen

Etsy

Schmuckhandwerk

2023 ausgezogen.

“Ein Statement für das Anhalten des Denkens ohne Bewusstlos zu werden.

Freiheit, Sprache und die Zeit anhalten; festhalten.

Malerei ist für mich die Sprache, die mir Freiheit gibt, alles auszudrücken ohne die Begrenzung der verbalen Kommunikation. In jeder Facette mit Farbe, Materialität, Geschmack, Geruch, Klängen, und Schwingungen. Der Augenblick wird festgehalten und behält zugleich das Moment der zeitlosen Ewigkeit. Springen und im Fallen Sicherheit finden.

Die Leinwand, das Holz, die Farbe, das Material hält alles offen, bis zum Moment des Handelns.

Jetzt zeigt sich die Richtung des Sprunges in die Magie des Augenblickes. Es zeigt sich aus jeder Handlung, jedem Pinselstrich, erst im Moment in dem es geschehen ist, welcher der nächste, unumgängliche Schritt ist. Die Arbeit im malerischen und im räumlichen Gestalten verdichtet sich im Prozess ohne durchgemalt zu werden. Es sind groß-, mittel-, und kleinformatige Werke auf Leinwand oder Holz. Ich beginne mit Schrift in Kohle, Ölkreide oder Acryl und erfasse die Fläche. Dann folgt die Untermalung mit Acryl oder Öl. Ich teile die Arbeit in Farbflächen auf. Anschließend arbeite ich mit Ölfarbe weiter, mit Spachtel, Pinsel oder den Händen.

Ich lasse die Arbeit anschließend oft Monate stehen, bevor ich eine weitere Schicht darauf setze. Dies kann sich einige Male wiederholen bis das Werk seinen Abschluss findet.

Farben, Formen, groß, klein und Übergang. Entscheidungen.

Jede Entscheidung im Bild, im Material, hat ihre Konsequenz. Stets verändert sich das Ganze und sucht nach Ausgleich, Spannung und Harmonie.

Über den Punkt hinaus, an dem es weh tut, dass Bild zu betrachten.

Es gibt immer diesen wunderbaren Punkt, an dem es mir weh tut, das Werk zu betrachten. Ich könnte es jetzt zerstören, wenn ich nicht wüsste, dass diese Nachtmeerfahrt der Beginn der Reise zu etwas wunderbarem Magischen ist, welches erst durch die Dunkelheit ins Licht getragen werden muss.

Es muss schmecken; die Farben, die Formen.

Für mich ist es Nahrung, die ich erschaffe und sie soll gehaltvoll sein. Nicht schwer im Magen liegen, nicht fade schmecken.

Nein, es soll Lust machen, sie in sich aufzunehmen. Laut soll es sein und leise klingen.

Immer wieder die gleichen Formen in der Bildsprache.

Fische, Augen, Häuser, Treppen, Brüste, Hände, Köpfe, Penisse und immer wieder viel von dieser leckeren Farbe. Es sind die gleichen Symbole in der Bildsprache, die ich schon als Kind wählte. Freiheit und selbstgewählte Grenze. Die Fortführung der Bildsprache gibt Sicherheit und Vertrauen. Jedes Bild,

dass diese Sprache spricht, kann wie eine Musik dem Betrachter einen Zugang zu meiner Welt geben. Biographische Erlebnisse treten in der Arbeit in den Hintergrund und machen einer wertungsfreien Sichtweise und Beschreibung der Welt Platz.” - Allan Paul